Hilma e sua pesquisa de cor e forma

A pesquisa de Hilma af Klint (1862-1944) sobre cores, formas e símbolos é um dos pontos que chamou a atenção da by Kamy e direcionou nossos olhos para essa artista. Em suas pinturas, cores intensas, formas geométricas e elementos orgânicos se combinam para criar uma linguagem visual própria, construída a partir de relações entre gênero, a natureza, a espiritualidade e a transformação.

Hilma criou um sistema de símbolos em que o feminino e o masculino aparecem como forças complementares: o azul associado ao princípio feminino, o amarelo ao masculino e o verde como resultado da união dos dois. Essa investigação cromática dialoga intimamente conosco, já que a variedade de cores e formas também ocupa um lugar central na criação de um tapete. A nossa pesquisa cromática vai muito além do “modismo” e tem suas raízes na técnica e na riqueza cultural de vários artistas. No acervo da by Kamy, temos, por exemplo, as peças Yu Li Min, com um forte visual modernista tropical; o Girocolor, com seu design dinâmico e variações de tons que criam a sensação de movimento giratório, o que nos remeteu à obra Series VII, No. 7d, de Hilma; o tapete Sky, repleto de nuances e gradientes de cor; além das nossas ilustres peças Tarsila do Amaral, com uma paleta vibrante e rica em cultura brasileira.

Quando uma pintura passa a ocupar quase todo o nosso corpo

A escala da série The Ten Largest (As Dez Maiores), Grupo IV, de 1907, mudou completamente nossa relação com as obras. Diante de pinturas com cerca de 3,15 metros de altura, sentimos que um mergulho era inevitável. Elas deixaram de caber apenas no campo da visão e passaram a nos envolver fisicamente. As espirais pareciam crescer, as flores se expandiam e as formas se multiplicavam nessa série criada para representar quatro fases da vida: infância, juventude, idade adulta e velhice.

Talvez tenha sido justamente aí que encontramos parte da força dessas obras. Diante delas, não sabíamos exatamente o que estávamos vendo. Uma célula? Uma semente? Uma flor? Um organismo? Um universo? A pintura não nos dava uma resposta. Em vez disso, nos fazia procurar uma dentro de nós.

Como surgiu a linguagem de Hilma?

Foi dentro de um grupo de cinco mulheres chamado De Fem que Hilma começou a desenvolver uma linguagem própria para traduzir aquilo que acreditava perceber para além do mundo visível.

A partir dessas experiências, uma criação secreta e radicalmente nova, influenciada pelo espiritismo, pela teosofia e por suas vivências mediúnicas, começou a tomar forma. Espirais, círculos, formas geométricas e feixes de luz passaram a compor um vocabulário visual próprio. Sua inventividade na criação de símbolos e figuras faz com que ocupe um lugar singular na história da arte. Hilma desenvolveu uma linguagem abstrata antes mesmo de a abstração se consolidar como um movimento reconhecido na arte moderna.

Por que suas obras parecem tocar tantas mulheres?

Hilma fala do feminino sem precisar representar mulheres, corpos ou cenas femininas de maneira literal. As flores e as formas orgânicas acompanham diferentes fases da vida. Em outras obras, a flor aparece associada à fecundidade, enquanto determinadas formas são relacionadas ao feminino.

Talvez tenha sido justamente essa combinação entre o que reconhecemos e o que permanece aberto que nos aproximou de suas pinturas. Elas não apresentam uma imagem pronta do feminino, mas sugerem ideias de criação, transformação, fecundidade e passagem do tempo. São temas que podem encontrar uma ressonância particular entre muitas mulheres, sem deixar de despertar identificações e interpretações diversas.

O olhar brasileiro sobre a obra de Hilma

Em 2018, a Pinacoteca de São Paulo apresentou Hilma af Klint: Mundos Possíveis, com curadoria de Jochen Volz e Daniel Birnbaum. A exposição nos ajuda a compreender a complexidade do universo que a artista construía.

Volz chamou a atenção para um aspecto essencial de sua produção: “Hilma não separava ciência, espiritualidade, religião, natureza e símbolos.” Tudo podia coexistir na mesma imagem. Essa perspectiva nos faz olhar para suas pinturas não em busca de uma tradução única para cada elemento, mas como um campo em que diferentes referências e possibilidades convivem.

Talvez seja por isso que sua obra continue tão aberta. Ela nos parece familiar e, ao mesmo tempo, impossível de decifrar completamente. E talvez essa seja uma das razões pelas quais, mais de um século depois de terem sido criadas, suas pinturas ainda nos fazem parar diante delas e perguntar: o que estamos vendo e por que isso nos parece tão próximo?

Uma fala de Hilma sobre seu processo de criação

“Os quadros foram realizados diretamente através de mim, sem nenhum desenho preliminar e com grande força. Eu não tinha ideia do que as pinturas iriam representar; porém, trabalhei com rapidez e segurança, sem mudar uma única pincelada.”

— Hilma af Klint

O Moderna Museet registra que cada uma das obras de The Ten Largest (As Dez Maiores) levou cerca de quatro dias para ser realizada. As pinturas foram feitas sobre grandes folhas de papel, posteriormente montadas sobre tela.

E pensar que essas obras foram criadas em 1907. O que havia nelas, há mais de um século, que ainda nos parece tão atual? Talvez essa seja uma das perguntas mais interessantes que levamos conosco depois de conhecer Hilma: como imagens criadas em outro tempo continuam nos provocando, despertando novas leituras e encontrando espaço em nosso olhar?

A técnica inspirou a by Kamy a criar o ateliê by Kamy Verde, dedicado a transformar fragmentos de tapetes não apenas em novas peças, mas dentro de um processo colaborativo com arquitetos, designers, artistas, entre outros criativos, para atender projetos que tenham a sustentabilidade como premissa.

Feitos totalmente à mão, os tapetes by Kamy Verde são únicos. O desenho de novas versões pode até ser similar, mas ao utilizar os fragmentos disponíveis no momento da criação, cada exemplar sempre terá um toque exclusivo, podendo variar em cores, tonalidades e texturas.

Na CASACOR São Paulo 2026, em cartaz até 9 de agosto, o ateliê desenvolveu peças para quatro ambientes, todas nascidas a partir de um meticuloso processo de cocriação com os escritórios que assinam os espaços.

Na "Pequena Amazônia" de Marta Calasans, o Fluir 1 BKV é a versão em fragmentos do Revolution Design Fluir: a mesma essência, mas em uma nova escala. Criado pela by Kamy Verde a partir de fragmentos selecionados, o tapete leva ao quarto infantil o movimento das águas amazônicas.

Já no "Loft Milanese", de Tulio Xenofonte, o ateliê produziu um conjunto de quatro peças para atender propósitos diferentes, mas complementares. O Anello TX 1 BKV, circular, combina fragmentos de Morgana Petróleo com recortes de sisal em uma composição radial.

Os tapetes Milanese 1, 2 e 3 TX BKV — feitos com os mesmos materiais — foram desenhados para integrar os três ambientes do loft: cada peça tem identidade própria, mas o desenho atravessa os limites arquitetônicos entre os cômodos, revelando sua totalidade apenas quando vistos em conjunto.

No "Tempo de Chegar", da Duno Arquitetura, o tapete Entre Tempo BKV foi idealizado pelas arquitetas Catarina Biselli e Fernanda Prado e confeccionado com fragmentos de Morgana, tapetes sedosos e luminosos feitos 100% com viscose. O formato orgânico marca a transição entre o ambiente externo e o interno, um portal que se faz notar logo na entrada do projeto.

O processo por trás de todas essas peças envolve a curadoria dos fragmentos, sejam recortes de produção ou peças já bastante utilizadas no serviço de aluguel, selecionados pelos artesãos da by Kamy Verde de acordo com a cor, a textura e o potencial de composição sugerida pelos desenhos dos profissionais. A partir daí, cada peça é montada à mão, fragmento por fragmento. No palco da CASACOR São Paulo 2026, é a prova de que luxo e circularidade podem ser entrelaçados.

Chegamos à mostra deste ano apostando em talentos fora do habitual, mas que carregam algo essencial: perspectivas próprias, histórias ainda em formação, uma linguagem que não pede licença porque não tem medo de ousar.

São profissionais que admiramos porque trazem origens, referências e estilos distintos, mas que convergem na capacidade de criar ambientes que dialoguem com quem os habita. Criam ambientes que têm intenção, que surpreendem sem estranhar.

Nesse contexto, nossas peças se expressam como parte da narrativa de cada ambiente, trazendo textura onde o projeto pede sensorialidade, cor onde a composição pede identidade, e propósito onde o espaço pede personalidade.

A seguir, o Blog da by Kamy destaca cada um desses encontros:

Carol Barreto

“Samádi House”

Carol Barreto desenvolve sua prática a partir de uma crença simples e poderosa: a arquitetura vai além da estrutura física. É sobre emoção, pertencimento e transformação. Com carreira sólida na Bahia, ela estreia na CASACOR São Paulo trazendo consigo uma sensibilidade aguçada para projetos que tocam quem os habita.

O Samadi House nasce de uma viagem a Bali que revelou mais do que paisagem: um modo de viver orientado pela desaceleração e pela presença. Carol identificou nessa experiência um espelhamento com o sul da Bahia, especialmente Trancoso, e descobriu que ambos os territórios são atravessados pelo Paralelo 17, linha imaginária que se torna, no projeto, símbolo de alinhamento entre natureza, espiritualidade e sensibilidade. Inspirado no conceito de Samadi, estado de integração entre mente e coração, o espaço reúne academia, spa, sauna, áreas de convivência e jardins tropicais em uma experiência sensorial contínua: um respiro dentro do “caos” de São Paulo.

Para o piso da academia, a by Kamy forneceu três peças em Revolution 1332F — duas de 6,00 x 2,50 m e uma de 9,00 x 2,00 m — que, juntas, formam o carpete que integra todo o ambiente. A fibra sintética em vinil é a escolha certa para um espaço como esse: é fácil de higienizar e manter, sem abrir mão de um visual sofisticado, com a mescla de tons bege e marrom que dialoga com a cor dos equipamentos e reforça a atmosfera orgânica.

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Cyro Guimarães Neto

“Ruído Branco”

Cyro Guimarães Neto tem a obsessão pelo detalhe como método em seus projetos. Seja em São Paulo, Rio ou Brasília, ele trabalha identidade, atemporalidade e funcionalidade como uma tríade indissociável. O desenho arquitetônico, em seus projetos, assume caráter estético-decorativo: materiais, forma, espacialidade e iluminação operam juntos com precisão e comprometimento.

O ambiente “Ruído Branco” propõe um deslocamento interno: um intervalo no excesso de estímulos do cotidiano. Sob os pilares do modernismo brasileiro, o projeto se estrutura pela clareza e pela economia de meios: eliminar o supérfluo para revelar o essencial. A progressão da luz, da materialidade e da composição volumétrica cria uma narrativa silenciosa que reorganiza o ritmo do corpo e da mente, transformando o ambiente em um dispositivo de reconexão. A continuidade espacial guia o percurso de forma fluida, sem rupturas, permitindo que a percepção sensorial se amplie à medida que o ruído mental se dissipa.

Integrado a esse universo de precisão e sensorialidade, o tapete Berber Mix Silver (3,00 x 2,90 m) foi ajustado pelo time da by Kamy para encaixar perfeitamente neste espaço. Bem densa, é uma peça confeccionada em tear manual, com lã pura e tingimento natural. Os desenhos de origem tribal somam ao projeto uma camada de ancestralidade discreta, que não compete com a austeridade modernista, mas a humaniza.

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Duno Arquitetura

“Tempo de Chegar”

Fundado pelas arquitetas Catarina Biselli e Fernanda Prado, o escritório Duno nasceu da convergência entre afinidade criativa e rigor técnico. Com sede em São Paulo e atuação em projetos residenciais, comerciais e de lançamentos imobiliários, o escritório guia cada projeto pelo perfil de quem vai habitá-lo, valorizando o processo, o detalhe e a relação entre espaço e pessoa.

Em apenas 21 m², "Tempo de Chegar" propõe uma jornada completa: começo, meio e fim. O ambiente funciona como zona de transição entre o mundo externo e o interno, um hall projetado para fazer o visitante desacelerar antes mesmo de perceber. A luz suave, o silêncio visual, a ondulação da marcenaria e o mármore que aquece compõem uma sequência sensorial cuidadosa. Cada escolha existe para criar uma pausa. Para que morar deixe de ser ocupar espaço e passe a ser habitar o tempo.

No centro dessa transição, o tapete Entre Tempo BKV (3,50 x 2,40 m) foi idealizado pela Duno e confeccionado pelos artesãos da by Kamy Verde com fragmentos do tapete Morgana, um clássico da by Kamy tecido 100% em viscose e que, por isso, se destacam por serem sedosos e brilhantes. O formato orgânico traduz em matéria têxtil o próprio conceito do ambiente: um limiar, um portal entre o fora e o dentro, que se faz notar ao entrar e ao sair, marcando com presença e delicadeza esse gesto cotidiano de chegar.

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Felipe Carolo

“Casa Jacob - Itaú Personnalité”

Felipe Carolo retorna à CASACOR São Paulo com a mesma verve vibrante, colorista e declaradamente avessa à monotonia. Autêntico e orgânico, ele constrói projetos onde nostalgia e contemporaneidade convivem sem caricaturas, fundindo modernismo brasileiro, mid-century e referências eurocentristas clássicas em uma estética que não teme a cor nem o peso do tempo.

O ambiente "Casa Jacob | Itaú Personnalité" celebra o centenário do avô do arquiteto, Jacob. Nascido em Pontal (SP), o avô ficou órfão cedo, é ex-lenhador, professor, político e figura decisiva na formação de Carolo. Em 77 m² com pé-direito de 4,50 m, o loft puxa o fio condutor do legado familiar sem recorrer ao óbvio: a escrivaninha inglesa da biblioteca do ancião, o aparador herdado da tia e o baú do tataravô ancoram um layout onde cada objeto tem história sem precisar anunciá-la. O azul intenso domina a paleta como referência ao universo do estudo e da educação; madeira natural, painéis em bronze e preto, couro e nuances de terracota e verde musgo completam uma composição densa, sofisticada e pessoal.

Uma das estrelas do living, o sofá Chesterfield em couro foi selecionado a dedo no acervo da by Kamy Eventos por ser uma peça carregada de afeto: é uma reminiscência direta do tempo em que o arquiteto morou na casa do avô. Referência aos modelos criados na Inglaterra do século XVIII, seu inconfundível desenho traz o estofado capitonê, braços arredondados e encosto na mesma altura do assento.

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Felipe de Almeida

“Casa Memórias Essenciais”

Felipe de Almeida carrega no sobrenome uma herança cultural densa: é sobrinho bisneto do modernista Guilherme de Almeida, primo do arquiteto Eduardo de Almeida e do fotógrafo Lalo de Almeida. Mas o que move seu trabalho vai além da genealogia. É uma paixão declarada pelo design, pela natureza, pela arte indígena e pelo encontro do clássico com o contemporâneo. Em cada projeto, Felipe traduz a identidade de quem vai habitar o espaço sem apagar as referências culturais que o formaram e que valoriza, no processo, o trabalho dos artesãos brasileiros e a riqueza dos povos originários. O "Casa Memórias Essenciais" é um ambiente construído com peças do acervo pessoal e familiar do designer, itens garimpados ao longo de sua trajetória e obras que guardam recordações. Tecidos, madeira e revestimentos naturais compõem a atmosfera de um lar que abraça quem entra e transforma a casa como lugar de memória viva.

A by Kamy está presente por todo o ambiente. No quarto, o Seagrass Fucshia (5,40 x 3,60 m) traz a textura orgânica e as nuances únicas dessa fibra extraída de algas marinhas cultivadas em águas salobras: rústica e elegante ao mesmo tempo. A mesma fibra reveste as paredes laterais da lareira no tapete Seagrass Zeenia (5,10 x 4,50 m), uso incomum que amplia a sensorialidade do espaço. No living, o Farahan A (7,30 x 4,60 m) impõe sua presença: peça persa de origem iraniana com pelo curto, desenho herati e paleta em azul índigo, verde, amarelo e laranja: uma obra de arte têxtil com séculos de história.

Nas circulações, duas passadeiras completam a curadoria com personalidade. O Goltchin Frida 64 (3,60 x 0,80 m) marca a entrada: é feito de tiras de fragmentos de kilims, persas e outros tapetes costurados com harmonia, onde nenhuma peça igual à outra, todas com o mesmo DNA singular. Na cozinha, o Zili Juta 1 Mix Dark Natural (6,00 x 0,75 m) confere o toque firme e geométrico da juta indiana com o característico ponto Zili, releitura do antigo ponto Soumak caucasiano.

Sobre os estofados, dois Kilim Bessarabian A nas medidas 2,75 x 1,83 m e 2,67 x 1,76 m funcionam como mantas: kilims romenos de 100% lã, com projeto floral e paleta em tons de vermelho, azul e preto que dialogam com a riqueza cromática do Farahan A, protagonista inequívoco do living. Mantas Jogim suspensas como persianas e banquetinhas forradas com tapetes persas completam a composição do living, reforçando a ideia central do projeto: um espaço onde cada peça tem história para contar. No banheiro, o Hamadan A (1,93 x 1,30 m) fecha a curadoria com a delicadeza de um tapete tecido em uma das regiões de maior tradição têxtil do Irã, onde cada aldeia guarda padrões próprios herdados de geração em geração.

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Felipe Saurin

“Arquivo Vivo”

A marca registrada de Felipe Saurin é a combinação de épocas, cores e texturas, influenciado principalmente pelas décadas de 1950 e 1970, criando ambientes que equilibram a sofisticação e o acolhimento sem abrir mão de uma abordagem autoral.

O ambiente "Living Archive / Arquivo Vivo" parte de três cenários culturais de Nova York para propor um ponto de transição: a elegância estruturada dos anos 1960 se dissolve na liberdade dos anos 1970. A entrada escura e espelhada evoca o Studio 54; ao atravessar a cortina, o espaço se abre em luz natural e proporção modernista, como os interiores sofisticados retratados em “Mad Men”. A sensorialidade vem de Halston (texturas, luz difusa e percursos fluidos) enquanto o apartamento de Yves Saint Laurent em Paris orienta a paleta de cores. Madeira quente, mobiliário baixo, veludos escuros e geometrias marcantes como losangos e espelhos compõem uma materialidade que trata a mente como estrutura e o coração como experiência.

Os tapetes by Kamy sustentam e qualificam esse universo. O carpete em Sisal LD reveste todo o ambiente, uma composição que soma mais de 60 m² totalmente cobertos com típica fibra natural brasileira, tramada à mão com acabamentos em cadarço de algodão, que entrega a base orgânica e sofisticada que o projeto pede. Sobre a base do Sisal, emerge o Tiger Tuffeds Mix Beige (3,54 x 2,54 m), que assume o papel de destaque: tecido à mão, o desenho se inspira nas estampas de Luigi Bevilacqua e traz ao living a elegância e o misticismo do felino que batiza a coleção. O Oriental Vintage Blue (3,13 x 2,20 m) completa a composição com a autenticidade de uma peça genuinamente antiga, com tingimento, grafismo e marcas do tempo que nenhuma reprodução consegue imitar.

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Hugo Ribas

“Pira Sesá - Olho de Peixe”

Hugo Ribas conduz seus projetos pela convergência entre arte, inovação e técnica, com foco em espaços funcionais, sofisticados e atemporais. Sua prática é orientada pela busca constante por novas soluções que reinventam espaços e ressignificam conceitos, criando ambientes que traduzem harmonia e identidade em cada detalhe.

O ambiente "Pira Sesá – Olho de Peixe" ocupa uma área verde de 139 m² no final do percurso da mostra com uma vocação clara: propiciar descanso. Um deque elevado do solo traça o caminho entre 20 árvores preservadas do Parque da Água Branca, criando recantos para deixar-se estar. Móveis e tapetes assinados pelo arquiteto e designer Paulo Alves, uma construção autoportante com obras comissionadas da jovem artista manauara Auá Mendes, do povo Mura, e as rodas de conversa do Museu das Culturas Indígenas completam um espaço que é, ao mesmo tempo, refúgio e ponto de encontro.

Nesse ambiente de pausa e conexão com a natureza, a escolha de Hugo para os tapetes não poderia ser diferente: duas peças da coleção Tesouros do Brasil, criadas justamente por Paulo Alves com a by Kamy: o Revolution Design Arara 1 e o Revolution Design Tucano 1, ambos com 1,00 m de diâmetro. Feitos com a fibra sintética Revolution, cada tapete captura com precisão e exuberância a diversidade da fauna brasileira, onde as aves que os inspiram ganham vida em cores e padrões únicos, transformando peças de piso em obras de arte têxtil.

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Marta Calasans

“Pequena Amazônia”

Marta Calasans é especialista em espaços infantis e parte de uma premissa clara: o ambiente influencia diretamente o comportamento e o bem-estar das crianças. Seu trabalho cria narrativas lúdicas e afetivas que transformam o quarto infantil em território de descoberta, autonomia e pertencimento, com olhar sensível e abordagem autoral que equilibra estética, funcionalidade e estímulo ao desenvolvimento cognitivo e emocional.

Em sua estreia na mostra, Marta apresenta um quarto inspirado na Floresta Amazônica que traduz o tema principal pela perspectiva da infância. O papel de parede com paisagem de floresta assinado pela artista Ju Brandão envolve todo o ambiente, enquanto uma grande árvore cenográfica com copas em tecido se torna o elemento central.

A cama posicionada sob um mezanino remete a uma casa na árvore; ao redor, o cubo jacaré, o puff sapo, a cadeira onça e luminárias em forma de animais aproximam o universo natural do cotidiano da criança. A paleta em verdes, terrosos e nuances de amarelo equilibra estímulo e acolhimento: um espaço onde dormir, estudar, brincar e descansar coexistem sem perder a leveza.

Os tapetes da by Kamy foram desenhados pela própria Marta e executados pelos artesãos da marca. O Revolution Design Fluir (4,25 x 2,85 m) traz ao piso o movimento das águas: diferentes tons de azul cuidadosamente combinados e recortados que evocam a dança dos rios amazônicos. Uma versão menor da mesma peça, o Fluir 1 BKV (1,60 x 0,95 m), foi criada pela by Kamy Verde a partir de fragmentos selecionados, trazendo a mesma essência em uma nova escala. Completando a imersão, o Revolution Design Serpenteando (3,50 x 2,20 m) traz ao piso a figura mística da serpente que habita florestas e imaginários: desenhada por Marta e executada em Revolution, ela desliza em curvas pelo ambiente como se tivesse saído da mata para habitar o quarto.

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Natan Gil

“Casa Cosentino Sanare”

Natan Gil acredita que cada detalhe de um projeto precisa ter intencionalidade e é essa convicção que se revela tanto na atenção aos elementos específicos de cada cliente quanto no papel que a iluminação ocupa em suas criações, usada como ferramenta para transformar espaços, valorizar sensações e criar experiências. Mineiro de origem, com sede em São Paulo e atuação no Brasil e no exterior, ele busca inovação sem abrir mão da atemporalidade.

O ambiente "Casa Cosentino Sanare" nasce de um lugar íntimo. Para Natan, a casa não é onde uma pessoa chega, mas sim onde ela volta para si mesma. O projeto materializa esse retorno: ao entrar, o pé-direito mais baixo acolhe e desacelera, criando uma leve compressão de introspecção. À medida que se avança, o ambiente se abre, o pé-direito se eleva e a luz se intensifica, uma travessia entre o peso exterior e a leveza interior. A cozinha ocupa o centro da casa com quase significado sagrado: uma claraboia conduz a luz com precisão, enquanto a imagem de Nossa Senhora Aparecida repousa no espaço como presença constante. A natureza entra pelas grandes aberturas e nunca compete com a arquitetura: aqui, ela é sempre protagonista.

Para esse espaço de silêncio e cura, o Zili Plain Off White (4,00 x 4,00 m) é a escolha certeira: confeccionado artesanalmente na Índia em poliéster de fácil manutenção, o tapete de estilo étnico e tom neutro sustenta a atmosfera sem disputar atenção. Em um projeto que valoriza o vazio e o que se sente antes de se explicar, a peça funciona exatamente como deve: como base que organiza o espaço e deixa a experiência falar.

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Paulo Azevedo

“Memórias Costuradas em Uso”

Paulo Azevedo construiu seu repertório no cruzamento entre arte, história e garimpo. Desde a infância em contato com pintura clássica e música, passando por vivências em antiquários e museus europeus. Ele desenvolveu uma atenção particular a peças com história e a linguagens que atravessam épocas. Esse acúmulo se traduz em projetos marcados pelo uso intenso de cores, estampas, texturas e objetos que carregam o tempo em si.

O ambiente "Memórias Costuradas em Uso" nasce como um manifesto anti-ostentação. A cabana se constrói como abrigo de memórias em formação: o patchwork assimétrico em tons de azul que envolve a estrutura carrega a ideia de tempo costurado, de matéria que já teve outras vidas. Nada tenta parecer novo: tudo tenta parecer verdadeiro. Há um espírito hemingwayano no espaço: a contenção, a funcionalidade honesta, o prazer do essencial. A cama de campanha, as malas ao pé, os mapas cobertos por cartas e fotografias falam de percursos, não de destinos. A iluminação baixa de velas, lampiões e luminárias antigas reforça a atmosfera íntima. O olhar repousa. O tempo desacelera.

Nesse contexto de autenticidade e despojamento, o Zili Juta 5 Dark Natural (2,98 x 2,05 m) é presença natural. Confeccionado em juta com o característico ponto Zili de origem indiana, o tapete de toque firme e design geometricamente alinhado traz ao espaço aconchego sem artifício: uma peça que, como tudo nesse ambiente, parece estar em uso desde sempre.

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Rafaella Manso

“Notas em Linhas”

Domingo, 16h. As primeiras notas ao piano marcavam um ritual familiar para Rafaella Manso — a mãe acompanhando os movimentos das pequenas mãos no teclado, a avó presente, o som do violino do avô completando a cena. Essa memória íntima orienta toda a concepção do ambiente: um percurso imersivo em que silêncio, luz natural e afeto conduzem o visitante a uma experiência de pausa. Em um mundo marcado pelo excesso de estímulos, Rafaella concebe o espaço como um "deserto intencional", expressão que sintetiza a busca por respiro, contenção e escuta interna.

O projeto ocupa lounge e circulação vertical em 74 m², com o tema da mostra se manifestando em uma dualidade complementar. A mente aparece na atmosfera de desaceleração, com tons neutros, superfícies suaves e iluminação difusa. O coração surge como ruptura: um tablado de mármore vermelho concentra a intensidade visual do ambiente e sobre ele repousa o piano de 1951, presente recebido pela avó da arquiteta aos 12 anos. A cor vermelha introduz pulso em meio à base silenciosa. O vitral, cujo desenho parte da sequência de Fibonacci e da proporção áurea, completa a leitura sensorial do percurso.

Nesse projeto onde o manual carrega tempo e memória, o Kilim Moroccan 5 (5,76 x 3,50 m) teve o formato personalizado pela by Kamy especialmente para o living. Confeccionado em tear manual com 100% de lã no Paquistão e inspirado nos antigos pisos marroquinos, a peça possui um notável efeito óptico e tridimensional: o desenho muda com o movimento e a luz, em sintonia com a ideia de partitura que atravessa todo o ambiente. O tingimento natural em cores com variações de proporção garante que cada peça seja única.

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Rodra Arquitetura

“Fantasia à Mesa”

Em sua segunda participação na CASACOR São Paulo, Rodra volta com uma proposta que aprofunda uma característica já reconhecível em seu trabalho: a ousadia de misturar referências distintas — o erudito e o popular, o universal e o afetivo, o antigo e o novo; o décor e a moda — em ambientes que transbordam personalidade. Desta vez, o ponto de partida é o universo visual da obra-prima “Maria Antonieta”, de Sofia Coppola, relido de forma autoral, lúdica e contemporânea.

Com 45 m², a sala de jantar se revela como um cenário onde o tempo parece suspenso. O rococó deixa de ser referência literal e se transforma em linguagem leve e delicada: boiseries nas portas e rodapés, teto com ornamentos clássicos franceses em chave contemporânea, lustre em vidro que adiciona brilho e leveza.

No centro, a mesa assinada pelo próprio Rodra funciona como eixo do projeto: gesto arquitetônico que organiza o espaço e convida ao encontro. Como contraponto a toda essa sofisticação que remete aos palácios franceses, surgem desenhos feitos à mão e referências sutis ao Rio Grande do Norte, terra natal do arquiteto e uma marca recorrente em sua trajetória, que humaniza o projeto e o ancora em memória afetiva.

Criado pela by Kamy exclusivamente para o ambiente de Rodra, o tapete Fantasia em Trama nasce da mesma lógica do ambiente: é a união entre os ares aristocráticos dos Aubusson, tapete historicamente associado à nobreza francesa, emoldurado por uma borda de Nylon em formato de babado que adiciona um toque quase surrealista à peça. Essa disrupção dialoga diretamente com o espírito do filme de Sofia Coppola: tradição e irreverência coexistem em equilíbrio. Uma peça pensada para o lugar onde prazeres, trocas e afetos acontecem.

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Studio Costa Azevedo

“Casa Origens – Mercado Livre”

Com mais de 20 anos de atuação e projetos espalhados pelo Brasil, Josemar Costa Jr. e André Azevedo conduzem o Studio Costa Azevedo com um olhar que cruza arquitetura, arte, design de interiores e comportamento. Seu diferencial está na capacidade de compatibilizar conceitos e materiais com precisão, sempre em busca do melhor aproveitamento do espaço sem abrir mão da identidade que cada cliente busca.

Em 53 m², a dupla cria um apartamento completo e quase sem divisões que entrega o melhor do Brasil pelo olhar de quem seleciona, coleciona e mistura com estética voltada ao design e à arte. A brasilidade e a latinidade comparecem nas cores e estampas — o amarelo das cortinas e o marsala das paredes marcam presença imediata — enquanto a seleção criteriosa de móveis e objetos, como a poltrona modernista LC1, revela personalidade e repertório. No hall, um cobogó desenhado pelos próprios profissionais indica a singularidade das soluções adotadas no projeto.

A by Kamy contribui com uma curadoria que percorre todo o apartamento. No living, o Hemp TC1468 Natural (5,00 x 3,00 m) traz listras intercaladas em mescla de hemp nepalês e lã, fibra natural de toque mais macio que a juta, com o mesmo apelo orgânico. No quarto, duas peças se combinam em sobreposição criativa: o Zili Roma Avelã (2,94 x 2,10 m), com textura encorpada e abraches naturais que conferem autenticidade, recebeu aos pés da cama o Vintage Shirvan A (2,46 x 1,47 m), tapete de origem caucasiana com pelo baixo, macio e aveludado, e uma profusão de ornamentos e cores que desafia classificações. Completando o living, duas banquetinhas forradas com fragmentos de tapete persa funcionam como assento, apoio e ponto de personalidade, cada uma única por definição.

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Teresa Simões

“Qlab Boutique Café”

Com mais de 40 anos de trajetória e “Tudo não terás” como frase que sintetiza sua forma de projetar, Teresa Simões constrói uma arquitetura onde cada escolha implica uma renúncia consciente. É nesse processo de depuração que seus projetos ganham clareza, coerência e força. Com atuação em todo o estado de São Paulo e projetos desenvolvidos em Portugal, Estados Unidos e Líbano, ela mantém forte interação com a execução, acompanhando cada obra do início ao fim, o que garante fidelidade ao conceito e precisão nas decisões.

O “Qalb Boutique Café” nasce como uma pausa no ritmo cotidiano. Qalb significa coração em árabe: não apenas o órgão, mas um centro sensível e mutável onde emoções e percepções se transformam. Em 313 m² distribuídos em seis setores, o projeto traduz o tema da mostra em uma sequência espacial precisa: o hall, concebido como intervalo silencioso e depurado, organiza e desacelera; o salão principal envolve e intensifica. O bege estabelece a base neutra que acalma o olhar; o dourado surge com pontualidade para criar presença e energia; o bordô aparece como antecipação sensível do que está por vir. O quartzito curvo, a madeira, as superfícies patinadas e os têxteis constroem uma atmosfera onde rigidez se transforma em fluidez, metáfora do encontro entre razão e emoção.

A by Kamy contribui com duas peças de linguagens distintas que se encaixam com precisão na narrativa do projeto. O Bauhaus 3 Tuffeds Mix Rust (2,50 x 2,50 m), posicionado abaixo da poltrona com design modernista, traz o padrão óptico de explosões de cores em equilíbrio geométrico, exatamente o espírito da escola que lhe dá nome, executado em 100% lã com toque macio. Já o Merlin Plus Mix Areia (4,60 x 3,00 m) foi personalizado pela by Kamy em formato orgânico especialmente para o ambiente de Teresa: textura suave, fácil manutenção e uma forma que dialoga com a fluidez que o projeto propõe do hall ao salão principal.

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Tulio Xenofonte

“Loft Milanese”

Com mais de vinte anos de experiência, Tulio Xenofonte conduz seus projetos pela tradução dos sonhos de cada cliente em atmosferas residenciais de identidade exclusiva. Seu trabalho circula entre o Brasil e o exterior com uma missão clara: criar espaços de alto padrão que sejam, acima de tudo, profundamente pessoais.

O “Loft Milanese” parte do luxo sofisticado de Milão nos anos 1960 e 70, relido com materiais e mobiliário contemporâneos em 86 m². Um revestimento termomoldável percorre paredes, rodapés, parte do teto e a estante, enquanto o layout se organiza em "cápsulas de função" que alocam sala de jantar, cozinha, banheiro e closet/home office nos quatro cantos do espaço, devidamente setorizados e integrados ao living e ao quarto no centro. Móveis de traço brasileiro e a Tapeçaria Arazzo Di Cavalcanti "Cais" (1,85 x 1,55 m) — obra de 1952 traduzida em têxtil pela by Kamy, com profundo respeito ao colorido e à brasilidade característica do pintor — completam uma composição que equilibra referência internacional e identidade nacional.

O ateliê by Kamy Verde produziu um conjunto expressivo de peças especialmente para este projeto. Dois tapetes Morgana Rose — em formatos personalizados de 1,61 x 1,57 m e 2,44 x 2,21 m para o encaixe perfeito no espaço — trazem o toque sedoso e o brilho luminoso da viscose, com nuances de tom sobre tom que criam sofisticação sem excesso. O Anello TX 1 BKV (4,40 x 4,40 m), circular, combina o verde intenso de fragmentos do Morgana Petróleo com recortes de sisal incrustados em composição radial. O nome significa "anel" em italiano, e a forma cria um ponto de convergência visual que organiza o espaço com fluidez.

Por fim, os tapetes Milanese 1, 2 e 3 TX BKV — nas medidas 1,93 x 1,62 m, 3,77 x 2,89 m e 2,03 x 1,67 m, respectivamente — foram criados para integrar os três ambientes do loft: cada peça tem identidade própria, mas o desenho orgânico em fragmentos de Morgana Petróleo, sisal e seagrass atravessa os limites arquitetônicos como se o tapete corresse continuamente sob as divisórias, revelando sua totalidade apenas quando visto em conjunto.

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Victor Niskier

“Torre Paulo”

Victor Niskier construiu sua reputação no Rio de Janeiro transformando edifícios com 30 anos ou mais em imóveis de alto padrão contemporâneo, sempre respeitando os materiais que carregam memórias afetivas e adequando a forma de morar ao tempo presente. À frente da ARQNISK, ele traz para a escala de interiores a mesma sensibilidade que o tornou referência nos retrofits da orla carioca.

O ambiente "Torre Paulo" se estende por três pavimentos e já no nome carrega o traço diferente que o projeto quer imprimir: não é um loft, não é uma escada, mas sim uma torre — metáfora para o corpo e para o refúgio mais íntimo de alguém. Esse alguém é Paulo, personagem fictício cujas escolhas, camadas e contradições constroem o espaço: o cômodo preferido de um homem que, apesar de inventado, se tornou real no processo criativo. Há tantos Paulos na selva de pedra que é São Paulo, com suas próprias torres ou em busca delas. A arquitetura vertical e atípica do projeto acolhe essa narrativa com estruturas aparentes, revestimentos nobres e a entrada generosa do verde do Parque da Água Branca pela janela monumental do espaço.

No living, abaixo do sofá onde Paulo talvez prefira ficar, o Kilim Arash Multi 2 (3,04 x 2,15 m) ancora o espaço com personalidade. Criado pelo BRESTUDIO — parceria entre os designers Bruno Domingos e Ricardo Centurione — em collab com a by Kamy, o tapete parte da inspiração nos kilims orientais floridos e os reinterpreta com geometria rígida e contemporânea: flores abertas dispostas em um jardim moderno e organizado, que traduzem em superfície têxtil a mesma alquimia de referências que define o projeto.

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Volar Interiores

“Casa Ecomorada”

A Volar Interiores conduz seus projetos pela "humanização da arquitetura", conceito que orienta cada escolha de Erica Gonçalves e Cinthia Gontijo em direção a espaços únicos, funcionais e carregados de sensibilidade. Movidas pela transformação, as designers atuam em projetos residenciais, comerciais e em qualquer desafio que as convide a evoluir.

A pequena cabana vermelha de 60 m² pulsa como um coração em meio ao verde do Parque da Água Branca. A cor vem de um verniz que mantém aparentes os veios da madeira garapeira. O sistema construtivo modular otimiza a ocupação do terreno e o interior contempla estar, sala de jantar e cozinha integradas, varanda e rampa lateral para acessibilidade. A claraboia projeta luz natural e oferece a vista do céu. Os revestimentos de piso e bancada, produzidos artesanalmente com argila de pastilhas de porcelana descartadas, completam um projeto onde cada detalhe tem origem e intenção.

No living, o Patchwork Multi 74 (3,06 x 2,55 m) da by Kamy assume o protagonismo: feito da junção de retalhos de tapetes orientais tingidos, o trabalho manual e a absorção única de cor em cada fragmento garantem uma peça exclusiva, cheia de história e personalidade: sintonia perfeita com o espírito da cabana. Do lado de fora, ao lado da banheira, a Manta Jogim (2,06 x 2,04 m) repousa sobre a poltrona aramada com sua gama de cores e tonalidades em lã e algodão, cumprindo o papel que lhe é natural: unir os elementos ao redor e trazer calor a qualquer composição.

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Wesley Lemos

“Geometria do Afeto”

Há 25 anos no mercado, Wesley Lemos construiu uma trajetória que transcende o ofício da arquitetura. À frente do EstúdioW , ele transita entre estilos, valoriza o fazer artesanal, o design autoral e a arte, e busca conexões com a mãe África. Seu trabalho plural e eclético é o retrato de um arquiteto-artista afro-brasileiro que sonha alto e se projeta para lugares historicamente negados.

O espaço "Geometria do Afeto" ocupa 99 m² distribuídos em três níveis — térreo, mezanino e primeiro pavimento — com a escada como eixo central que conecta não apenas níveis físicos, mas dimensões sensoriais e emocionais. Na dicotomia do preto e branco, masculino e feminino, emergem nuances de percepção visual que questionam metaforicamente os altos e baixos da vida.

O espaço é imersivo e instigante: do sagrado ao profano, do grafite ao pixo, das galerias à rua, a composição revela peças de design autoral brasileiro e obras de arte em diversidade de linguagens contemporâneas. Silêncio e caos coexistem como convite à pausa. A narrativa se revela em camadas, traçando analogias com a essência do "Nordeste que floresce em cada um de nós" e com a ancestralidade que sustenta e expande a obra de um dos mais célebres arquitetos afro-brasileiros do país.

Três peças da by Kamy habitam esse território de contrastes. O Kilim Fields Degradê Black (2,49 x 1,99 m), em lã e algodão, traz uma transição suave de tons que cria harmonia suntuosa em meio à intensidade do projeto. O Revolution Design (3,80 x 1,83 m), com desenho geométrico que alterna preto e branco, dialoga diretamente com a linguagem visual do ambiente. O Zili Juta Loop Black (2,52 x 2,07 m) fecha a composição com o toque firme e o design geometricamente alinhado da juta indiana, reforçando a presença do preto como elemento estruturante de um projeto que não teme a força das suas próprias escolhas.

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Onde, quando e como visitar?

by Kamy na CASACOR São Paulo 2026

Até 09 de agosto

11:00 às 22:00, com últimas entradas até às 20:15

Parque da Água Branca

Acesso pela Rua Dona Ana Pimentel, 37, Água Branca, São Paulo-SP

Ingressos e outras informações sobre a mostra: clique aqui

Em projetos de quarto, o tapete também desempenha um papel essencial na composição: além de embelezar, ajuda a delimitar espaços e proporciona mais conforto, evitando o contato direto dos pés com o chão. Assim, a by Kamy marcou presença com peças em quatro ambientes da mostra:

Cacau Ribeiro: Em tons predominantemente quentes, como terracota, caramelo, laranja e marrom, Cacau Ribeiro criou um quarto de visual contemporâneo, confortável, sensorial e íntimo, com uma mistura de materiais naturais, como couro, linho e madeira. O tapete Kilim Drops foi a escolha de Cacau: um tapete de pelo baixo, com geometrismo que cria amplitude visual e deixa o ambiente mais moderno.

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Julyana Bortolotto: O ambiente de Julyana Bortolotto foi concebido como um espaço de home office que também funciona para atendimento aos clientes. Foi escolhido um resistente Carpete Revolution®, em cor palha, que se integrou com naturalidade aos tons de madeira predominantes. A unidade da paleta valorizou ainda mais as cores presentes no papel de parede, nos vasos e nos demais elementos decorativos.

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Felipe Saurin: A inspiração para este projeto foi a criação de um ambiente contemporâneo, elegante e de luxo silencioso. O sisal atua como base para receber o tapete natural Zili Aloe, enquanto a parede em trama de palha harmoniza com o teto, criando unidade visual e sensação de conforto. A cabeceira clara suaviza a composição e equilibra os tons do ambiente. A proposta, além de criar um espaço clássico e acolhedor, pode transitar entre o masculino e o feminino ou atender perfeitamente a um casal.

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Felipe de Almeida: A ideia foi transformar um escritório em um ambiente acolhedor e com ares de casa. Para isso, foi utilizada em todo o espaço uma grande quantidade de tecidos, principalmente estampados e vivos, quebrando a austeridade e criando uma atmosfera de conforto. O tapete Kilim Juta contribui para essa proposta ao reforçar a sensação de lar e, ao mesmo tempo, equilibrar a composição por meio de sua tonalidade neutra.

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Uma das atrações apresentadas pela by Kamy na Bienal de Arquitetura Brasileira 2026 em São Paulo-SP, a instalação “A Água é Viva” parte do bordado, linguagem central no trabalho da artista visual Elisa Lobo, para construir formas orgânicas que se expandem pelo espaço.

Fios de seda pura se entrelaçam a outros materiais, muitos deles encontrados em rios e oceanos, compondo estruturas que evocam tanto a delicadeza da vida marinha quanto os impactos da ação humana sobre esses ecossistemas.

O contraste é proposital. Ao mesmo tempo em que seduz pela estética, a obra se revela como uma denúncia silenciosa. Os materiais incorporados, frequentemente associados à poluição, são ressignificados no bordado e passam a integrar corpos que representam a vida. A beleza, nesse contexto, funciona como ponto de entrada para uma reflexão mais profunda.

Ao caminhar pela instalação, o visitante é convidado a desacelerar e observar. Os detalhes do bordado revelam uma riqueza de texturas que remetem ao universo marinho, ora lembrando rendas, ora estruturas orgânicas, ora superfícies em transformação. Fios que se estendem como tentáculos criam um jogo entre leveza e tensão, beleza e risco.

Essa dualidade é central na obra, desenvolvida por Elisa ao longo de quatro anos (2013-2017). As águas-vivas, figuras ao mesmo tempo fascinantes e perigosas, funcionam como metáfora para um ecossistema em equilíbrio delicado. Suspensas entre o chão e o teto, elas ocupam o espaço como um lembrete da fragilidade, assim como da urgência, das questões ambientais.

Bordado como linguagem, design como transformação social

A instalação também amplia o alcance do projeto social 1 1 by Kamy, iniciativa da marca que capacita mulheres de Carmo da Cachoeira, no sul de Minas Gerais, por meio do ensino do bordado. Sob orientação de Elisa Lobo, o grupo desenvolve peças que unem técnica, expressão artística e geração de renda.

Mais do que preservar um saber manual, o projeto cria novas possibilidades de atuação profissional e fortalece a autonomia das participantes. A prática do bordado, nesse contexto, deixa de ser apenas um ofício e passa a atuar como ferramenta de transformação social. Na exposição apresentada na BAB 2026, esse diálogo se estende para outras criações do coletivo, como as tapeçarias e almofadas desenvolvidas a partir das obras de Lelli de Orléans e Bragança, que reforçam a conexão entre arte, natureza e produção manual.

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Ao longo do percurso, a ideia é ir além da observação e dar abertura ao sentir. Os ambientes foram pensados para traduzir os biomas e todos os estados brasileiros por meio de materiais, texturas e composições que dialogam diretamente com o cotidiano de cada região.

Ao chegar ao evento, é possível notar que o lounge do Pavilhão Brasil conta com presença das Pufftronas desenvolvidas pela by Kamy em parceira com a Boulle, unindo uma estrutura de madeira com um assento revestido de fragmentos de tapetes. A peça foi um dos grandes lançamentos da DW! Semana de Design de São Paulo.

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Todos os ambientes foram divididos a partir de biomas do nosso ecossistema brasileiro, representando todos os estados brasileiros, além de ambientações especiais nas áreas externas. Confira abaixo as peças by Kamy presentes na mostra:

AMAZÔNIA

PARÁ - Studio Tuca (Caminho dos Rios) apresenta uma seleção de tapetes em fibras naturais, como o Kilim Juta Stripes e o Sisal Plain Café, que combinam juta indiana com o sisal, uma matéria-prima típica da tecitura brasileira. O TC1691 Brown traz listras em hemp e lã para um toque mais macio, enquanto o Tangis Multi 3 adiciona leveza e textura à composição.

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CAATINGA

BAHIA - Vida de Vila (Casa do Mastro) destaca o uso da juta artesanal no tapete Guarany 1, com listras em grafite que trazem ritmo visual e sensação de amplitude, equilibrando rusticidade e sofisticação. A mesma fibra aparece no Tupy 2, em versões listradas e geométricas nas cores Grey e Yellow, onde o desenho ganha ainda mais destaque e estrutura o ambiente.

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RIO GRANDE DO NORTE - rodraarq (Casa de Veraneio) também traz a juta como protagonista, mas em composições expressivas, explorando diferentes formatos, cores e texturas. O Spiral Juta Multi combina forma circular com listras coloridas, enquanto o Zili Juta Mix Gold aposta em uma superfície mais lisa com destaque para o ponto Zili em tom dourado. Já o Taza 18 Juta Dark faz referência às esteiras marroquinas, com trama manual em juta e algodão preto. Nas paredes, a estrela é o Arazzo “A Conquista II”, uma nobre interpretação têxtil da obra de Gilvan Samico, artista pernambucano que se destacou como desenhista, gravador, pintor, xilogravurista e professor.

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CERRADO

DISTRITO FEDERAL - Debaixo do Bloco Arquitetura (Moderno no Viver) apresenta o Arazzo Tarsila® “São Paulo”, uma tapeçaria pensada como obra de arte para parede. Feita 100% à mão e sob licença exclusiva da by Kamy, a peça traduz com delicadeza as formas e cores do original, em uma clara referência ao modernismo brasileiro.

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GOIÁS - Bendito Traço Arquitetura (Casa de Amélia) destaca o tapete Zili Milano 2, feito em tear manual, onde a própria tecitura cria os detalhes do design. Com aparência rústica e variações naturais da lã, a peça ganha ainda mais destaque na cor Yellow.

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MARANHÃO - Larissa Catossi e Guilherme Abreu (Raiz e Trânsito - Casa Pedro Neves) apresenta o tapete Patchwork Multi 21, feito a partir da junção de retalhos de tapetes orientais antigos tingidos. O trabalho manual e a absorção única de cor em cada fragmento garantem peças exclusivas, cheias de história e personalidade.

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MINAS GERAIS - Marina Reis Arquitetura (Casa Adélia Prado) destaca o tapete Seagrass Fucshia, feito a partir de fibra vegetal extraída de algas marinhas que crescem em águas salobras. A combinação de luz e água nesse ambiente influencia a pigmentação natural da fibra, criando variações de cor que reforçam a beleza e autenticidade da peça.

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TOCANTINS - Marcus Garcia Arquiteto (Casa da Arlê) apresenta o tapete Per Te 3 BKV, produzido 100% à mão com fragmentos têxteis pelo ateliê by Kamy Verde. Inspirada no gesto de presentear (“para você”), a peça remete a afeto e boas memórias, como um gesto de carinho traduzido em forma têxtil.

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MATA ATLÂNTICA

PARANÁ – O escritório Boscardin Corsi (A Casa que Dança) selecionou o tapete Dhurie Dali Fine Out, peça feita à mão em lã com ponto mais fino, que possui excelentes qualidades como beleza, resistência e confortabilidade. As cores da coleção apresentam um efeito rajado, o que lhes confere um design único a cada peça, a exemplo do modelo Mix Aluminium selecionado para este ambiente, onde o cinza se soma à base neutra sem deixar de lado a sua personalidade.

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PAMPAS

RIO GRANDE DO SUL – Studio Carbono & Matte Arquitetura (Querência Amada) assinam o espaço onde tradição e contemporaneidade se encontram. O tapete Mahal A, originários de Arak (antiga Sultanabad, no Irã), revelam essa herança ao trazerem uma estética clássica. Já a tapeçaria Valsa Campestre acrescenta uma camada sensível à composição: fruto do trabalho das bordadeiras do projeto 1 1 by Kamy, ela resgata, com delicadeza e precisão, uma cena que o tempo quase apagou. Em contraste complementar, o Zili Plain Mix Steel introduz uma leitura mais essencial e versátil. Com design limpo e um cinza mais escuro, a peça funciona como um elemento de respiro, fácil de integrar a diferentes estilos.

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PANTANAL

MATO GROSSO DO SUL - Déborah Nazareth Arquitetos (Casa Ñandejara) traz os tapetes Dhurie Patna Out, feitos à mão com mistura de fibras e acabamento rústico, unindo conforto, resistência e variações de cor que tornam cada peça única. Os têxteis ganham destaque, com a by Kamy presente em diferentes propostas, do rústico ao contemporâneo.

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AMBIENTES ESPECIAIS

O projeto social 1 1 by Kamy está presente na BAB com uma instalação que traduz seu compromisso com a sustentabilidade social e a valorização do fazer manual. Desenvolvido com mulheres de Carmo da Cachoeira, o projeto ganha forma na obra “A Água é Viva”, assinada por Elisa Lobo, que utiliza fios de seda e materiais diversos para criar esculturas têxteis inspiradas em águas-vivas.

Além das ambientações por bioma e estado, nas áreas externas, a BAB também prepara atrações como o Restaurante BIOMAS, onde entram nossos tapetes com fibras de coco e seagrass no espaço assinado por Celso Rayol, além da Casa TCL, projetada por Ricardo Abreu, onde o geometrismo do tapete Kilim Sully Multi 1 se contrapõe à sobriedade do Dhurie Dali Max Mix Black.

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Como se pode notar, todos os ambientes são pensados para refletir a diversidade da região que representam, como na Amazônia, onde há predominância de fibras naturais ou na Caatinga, onde os desenhos e listras são mais expressivos.

Bienal de Arquitetura Brasileira 2026

25 de março a 30 de abril

12h às 21h

Pavilhão das Culturas Brasileiras (Pacubra), Parque Ibirapuera, São Paulo-SP Informações e ingressos: clique aqui

A exposição direciona o olhar para as criações desenvolvidas no ateliê da by Kamy Verde (BKV), núcleo da marca dedicado ao reaproveitamento de fragmentos têxteis e à transformação de matérias já presentes em seu repertório. Em vez de buscar o novo como ruptura, a proposta se volta para a revisão do que já pertence à casa, agora atravessado por silêncio, foco e direção.

“Queremos inspirar as pessoas a fazer esse exercício: descobrir o que ressignificar representa em seu interior”, afirma Francesca Alzati, diretora de identidade da by Kamy. A ideia ganha forma em uma mostra que trata o processo criativo como um mergulho íntimo, livre de ruídos e tendências passageiras, para abrir espaço ao que é essencial.

O ressignificar como matéria

A exposição se organiza em torno de uma ideia clara: o que verdadeiramente se transforma nasce da atenção ao presente. Assim, a by Kamy reúne artistas de diferentes linguagens e convida cada um a criar a partir de materiais que sempre estiveram próximos da marca, como fragmentos de tapetes costurados à mão na BKV ou uma versão mais ecológica de nylon.

O resultado não é apenas uma coleção de peças, mas um conjunto de interpretações autorais sobre matéria, memória e renovação.

Carina Camargo e os vestígios da natureza

A artista visual Carina Camargo, do Ludico, apresenta a coleção “Vestígios da Natureza”, desenvolvida em parceria com a by Kamy Verde. Sua pesquisa parte da escuta do invisível, do tempo e das formas em estado latente. Aqui, a natureza aparece como sistema contínuo de recomposição, em que um fim pode também sinalizar um novo começo.

O tapete Brisa (6,00 x 4,00 m) traduz a ação do vento por meio de uma composição que sugere movimento e leveza, ideal para ambientes minimalistas em que o tapete ocupa papel central no décor. Já os tapetes Casulo e Seiva (2,50 x 1,50 m cada) aprofundam esse mesmo raciocínio visual, criando uma relação de simbiose entre formas, contornos e matéria.

Lucie Socrate e o gesto abstrato

A designer de interiores e diretora de arte francesa Lucie Socrate desenvolve um trabalho em que o vintage e o contemporâneo convivem com naturalidade. Para a mostra, ela assina os tapetes Regarde nº 1 e Regarde nº 2, ambos inspirados nas manchas formadas pelos resíduos de tinta de cartuchos descartados sobre o papel.

A partir dessas silhuetas orgânicas, os artesãos da by Kamy Verde recortaram fragmentos de tapetes em tons suaves e neutros, criando peças abstratas, delicadas e visualmente leves. O resultado transforma o gesto artístico em matéria têxtil de toque macio, com composição em viscose e aloe.

Ju Amora entre terra, sal e folhas

A artista paulistana Ju Amora leva para a by Kamy Verde sua pesquisa sobre formas botânicas, marcada pelo encontro entre sertão e mar. Dessa aproximação nasce a coleção “Terra & Sal”, construída a partir de uma paleta arenosa e terrosa clara, que reforça a dimensão sensorial do trabalho.

Os tapetes Terra & Sal (3,00 x 2,00 m cada) sintetizam essa ideia ao unir a respiração da brisa marítima à força das cores da terra. Já Entre Folhas (3,00 x 2,50 m) explora texturas que convidam ao toque e evocam a sensação de caminhar sobre folhas espalhadas pelo chão.

Ju também assina o tapete Mirante (2,00 x 4,00 m), destaque da vitrine da marca no D&D durante as ativações da DW!. A peça propõe justamente a experiência da contemplação, como sugere seu título.

Noemi Carpu e o corpo em superfície têxtil

Radicada no Rio de Janeiro, Noemi Carpu investiga em sua obra o corpo feminino e as construções sociais que atravessam o “ser mulher”. Na mostra, ela entra pela primeira vez no universo têxtil e reinterpreta seu traço com texturas, alturas e fios.

Produzidos em nylon EcoNyl®, material renovável desenvolvido a partir de redes de pesca descartadas e regeneradas, os tapetes dialogam diretamente com a pesquisa da artista. O que antes capturava passa a se tornar superfície de expressão.

No tapete Ela em Si (3,50 x 2,50 m), contornos em outra cor criam a sensação de membros em movimento, em uma composição fluida e sensorial. Já Geometria do Improviso (3,00 x 2,00 m) parte do trabalho em gesso da artista e recria, por meio de cortes de pelo, a sensação de relevo e profundidade.

Pufftrona e tapeçaria

A edição também marca o lançamento da collab Boulle + by Kamy. Assinada por Rodolpho Guttierrez, a Pufftrona une uma estrutura de madeira em arco contínuo ao clássico puff da marca, agora transformado em poltrona com encosto e braço. Cada peça varia conforme o tapete que a reveste e a madeira utilizada, enquanto a base giratória amplia sua funcionalidade.

Outro destaque é a tapeçaria Crisálida, criada no projeto social 1+1+by Kamy sob tutela da artista visual Elisa Lobo. Bordada a partir de fragmentos de Aloe unidos por fios e gestos manuais, a peça traduz de forma sensível a ideia de metamorfose, renovação e memória do fazer.

Serviço

By Kamy na DW! Semana de Design de São Paulo 2026
Exposição: Ressignificar: silêncio – foco – caminho
Local: by Kamy Maison
Alameda Gabriel Monteiro da Silva, 1147, Jardim América, São Paulo
De 5 a 14 de março de 2026
Segunda a sexta, das 10h às 19h
Sábados, das 10h às 17h
Evento by Kamy: 6 de março de 2026, das 16h às 20h

Vitrine DW! 2026 – D&D Shopping
Local: by Kamy D&D, lojas 208/209, piso térreo
Avenida das Nações Unidas, 12555, Cidade Monções, São Paulo
De 5 a 14 de março de 2026
Segunda a sexta, das 10h às 21h
Sábados, das 10h às 20h
Domingos, das 14h às 19h

A proposta da Bienal é reposicionar a arquitetura como uma linguagem cultural acessível e presente no cotidiano das pessoas. Mais do que uma exposição tradicional, a BAB surge como uma experiência imersiva que conecta arquitetura, educação, tecnologia e cultura, convidando visitantes a compreender como o desenho dos espaços influencia diretamente o modo de viver nas cidades e nos diferentes territórios brasileiros.

Idealizada pelos fundadores da plataforma Archa — Anna Rafaela Torino e Raphael Tristão, em sociedade com Lucas Aragão e Felipe Zullino — a Bienal opera de forma independente e sem fins lucrativos. A iniciativa busca ampliar o acesso à arquitetura e estimular a valorização do trabalho dos arquitetos no Brasil, mostrando como decisões técnicas e criativas impactam diretamente a qualidade de vida da população.

Arquitetura brasileira representada pelos biomas do país

O conceito central da mostra é o Pavilhão Brasil, instalado no interior do Pavilhão das Culturas Brasileiras. A exposição reúne diferentes pavilhões temáticos inspirados nos seis biomas brasileiros — Amazônia, Caatinga, Cerrado, Mata Atlântica, Pampas e Pantanal. Cada um deles apresenta projetos arquitetônicos contemporâneos assinados por profissionais e escritórios de diferentes regiões do país.

A curadoria busca evidenciar como clima, território, cultura e tradições influenciam diretamente a forma de construir e habitar. Ao explorar essas diferentes realidades, a Bienal cria um panorama plural da arquitetura brasileira, destacando soluções criativas que dialogam com sustentabilidade, identidade regional e inovação.

Os projetos participantes foram selecionados por meio de concursos públicos organizados pela plataforma Archa, em um processo aberto e colaborativo que reuniu arquitetos de todo o Brasil. Já o Masterplan da Bienal, responsável pela concepção espacial do evento, foi desenvolvido pelo Estúdio Leonardo Zanatta Arquitetura, vencedor do concurso nacional que contou com dezenas de propostas.

Serviço — Bienal de Arquitetura Brasileira 2026

A Bienal acontece de 25 de março a 30 de abril de 2026, com visitação diária das 12h às 21h, no Pavilhão das Culturas Brasileiras, no Parque Ibirapuera, em São Paulo. A entrada recomendada é pelo Portão 3, na Avenida Pedro Álvares Cabral.

Os ingressos custam R$ 80 durante a semana e R$ 100 aos finais de semana, com vendas realizadas exclusivamente pelo site oficial do evento.

A edição inaugural conta com patrocínio de marcas como Electrolux, TCL, Suvinil, Westwing, Docol, Portobello e by Kamy, além do apoio institucional de entidades como CAU/BR e AsBEA/BR.

Tapete Entre Folhas BKV (3,00 x 2,50m) de Ju Amora para by Kamy

É um convite para mergulhar em um universo construído de forma intencionalmente simples, honesta e verdadeira. Criações que nascem do que já pertence à marca, mas revisitado com silêncio e foco em um novo caminho.

“Olhando de dentro para fora, uma autorreflexão que se traduz em criações sólidas e coerentes. Queremos inspirar as pessoas a fazer esse exercício: descobrir o que ressignificar representa em seu interior”, explica Francesca Alzati, nossa diretora de identidade.

O silêncio que aquieta e respeita o tempo: um espaço interno que existe em cada um de nós. Um lugar onde não há barulho e o ruído cessa, para que possamos ouvir o criativo, o puro e o autêntico da nossa essência.

É um mergulho solitário, íntimo e profundo, que traz clareza para que o processo criativo aconteça, eliminando ideias e tendências passageiras que poluem nossas percepções, e que não devem conduzir nossas decisões daqui em diante.

O foco nasce de uma criatividade genuína a partir do que já se tem em mãos, um caminho de renovação que olha para o futuro usando que se tem no presente. O que constrói e o que verdadeiramente ressignifica nasce no silêncio, ganha nitidez no foco e se concretiza em uma direção contínua, até se transformar em algo tangível como um produto. Ideias e propósitos renovados, tangíveis e, acima de tudo, reais.

Para nós, RESSIGNIFICAR simboliza o lugar onde o SILÊNCIO é a origem, o FOCO é a direção e o CAMINHO se torna a matéria.

Tapetes Casulo BKV (2,50x1,50m) e Selva BKV (2,50x1,50m) de Carina Camargo para by Kamy

Onde o ressignificar acontece

Artistas que se expressam de diferentes formas e pontos de vista. Eles aceitaram nosso convite parar criar com o que sempre esteve por perto do nosso horizonte criativo, seja a partir de fragmentos têxteis, costurados à mão pela by Kamy Verde, seja a partir uma versão mais ecológica de nylon... Materiais ressignificados pela personalidade de talentos que você precisa conhecer:

Carina Camargo

A artista visual Carina Camargo (Ludico) desenvolve uma pesquisa que nasce da escuta: do invisível, do tempo e das formas em estado latente. Sua criação parte da recomposição de fragmentos e da essência orgânica dos contornos para transformar o intangível em arte e design. Superfícies que não apenas ocupam o espaço, mas imprimem bem-vindas sensações de pausa, percepção e permanência. Carina assina três tapetes com a by Kamy Verde, onde o reaproveitamento de fragmentos têxteis se transforma em potência criativa.

As peças Casulo (2,50x1,50m), Seiva (2,50x1,50m) e Brisa (6,00x4,00m) apresentam um movimento contínuo que atravessa as composições, como se cada forma estivesse sempre a caminho da outra.

Quando essas formas se encontram, embora não assumam símbolos literais, elas despertam a imaginação: podem ser folhas, corpos, sementes, criaturas, paisagens internas. Elas transitam entre o reconhecível e o abstrato, um mundo lúdico e sensível, onde o olhar é livre para criar os seus próprios sentidos.

“Cada peça se torna única, porque o resíduo de hoje talvez não exista amanhã. Isso é a essência do feito à mão, peças que carregam a energia de muitas pessoas. Não é apenas fabricação, é uma construção coletiva. É não virar as costas para o que foi, seja dor ou alegria, mas transformar isso em ponto de partida. Algo que poderia ser visto como ruim pode se tornar belo, dependendo do olhar. Ressignificar é isso: olhar de novo, dar novo sentido, entender que nada é por acaso. É transformar vestígios em poesia”, explica Carina Camargo.

Tapetes Casulo e Seiva, confeccionados à mão na by Kamy Verde (2,50x1,50m cada)

Lucie Socrate

Os projetos assinados por Lucie Socrate unem ousadia e afeto. Designer de interiores e diretora de arte francesa, ela desenvolveu uma assinatura marcada por cores vibrantes, estampas expressivas, padrões geométricos e uma curadoria que mistura peças vintage e design contemporâneo com naturalidade.

Lucie apresenta duas criações intituladas Regarde nº1 e Regarde nº2. Com 2,20x1,30m cada, os tapetes revelam uma composição de formas que contrastam tonalidades, onde os fragmentos têxteis dispersos encontram uma nova ordem em um trabalho primoroso dos artesãos da by Kamy Verde.

“Decidi trabalhar com duas cores para o tapete. E quando você inverte as cores, nasce uma nova versão. É a mesma base, mas já não é a mesma coisa. É outro objeto, outra leitura. E isso, para mim, é extremamente interessante: como, a partir de algo que já existe, podemos criar uma segunda possibilidade. A última etapa foi simplificar. O desenho original, orgânico e quase caótico, tinha detalhes que não seriam possíveis de reproduzir no tapete. Então foi necessário redesenhar contornos mais simples, mas preservando a força e a grandeza daquele caos inicial. Um processo que começa no resíduo, passa pela experimentação, pelo acaso, pela surpresa e termina em algo novo, carregado de intenção, olhar e transformação”, explica Lucie Socrate.

Lucie Socrate no ateliê da by Kamy Verde fazendo os últimos acertos antes da finalização dos tapetes Regarde nº1 e nº2

Regarde nº 1, criado na by Kamy Verde com fragmentos de Morgana Cipria e Aloe Regarde nº 2, criado na by Kamy Verde com fragmentos de Morgana Cipria e Aloe

Ju Amora

A artista paulistana Ju Amora desenvolve uma pesquisa autoral que atravessa pintura, design e objeto, tendo a banqueta como seu principal suporte de expressão. Inspirada pela botânica, por referências regionais e pelo frescor gráfico das estampas dos anos 1970, Ju constrói composições vibrantes e sensíveis, guiadas pela frase que marcou o início de sua trajetória: “Seu real dever é salvar o seu sonho”. Seu trabalho, já exibido no Brasil e no exterior, transita entre arte e cotidiano com naturalidade, sempre carregando identidade e gesto.

Sob o nome de Terra & Sal, a coleção feita com fragmentos têxteis no ateliê da by Kamy Verde nasce de uma memória afetiva: seu pai, nascido no sertão, nutria um profundo amor pelo mar. As peças partem desse encontro entre dois territórios, a aridez da terra e o respiro da água, traduzido em uma paleta de tons terrosos e claros.

O tapete Entre Folhas (3,00x2,50m) apresenta folhas alongadas e círculos que evocam copas vistas do alto. Tons terrosos, areia e nuances rosadas constroem uma paisagem silenciosa, onde o relevo de algumas formas intensifica a sensação de camadas e profundidade. A segunda peça, Terra & Sal (3,00x2,00m), assume um desenho mais fluido, onde elementos do desenho se conectam às curvas do contorno do tapete, criando um percurso visual que conduz o olhar em movimento contínuo.

Ju Amora também assina o tapete Mirante (2,00x4,00m), que será o grande destaque durante as ativações de DW! no D&D, conectando a vitrine da loja com o tema da exposição principal na Alameda Gabriel Monteiro da Silva. O Shopping receberá a abertura oficial da semana de design no dia 4 de março, a partir das 18h. Para ampliar a sintonia com as exposições na Gabriel e a vitrine no D&D, Ju Amora desenvolveu ainda um quarto tapete para expor em seu ateliê na Galeria Metrópole (Centro), uma peça de 3,50x2,50m feita 100% em Revolution (fibra sintética).

“As peças nascem da proposta de ressignificar, e é a primeira vez que eu vejo o meu trabalho dessa forma. Aquilo que é mais habitual na minha trajetória, as folhagens, as formas orgânicas, aparece agora de um outro jeito. Não mais na pintura, mas no tapete. É a minha linguagem traduzida em trama, em textura, em matéria”, explica Ju Amora.

Tapetes Terra & Sal (3,00 x 2,00m), Mirante (2,00m x 4,00m) e Entre Folhas (3,00m x 2,50m)

Noemí Carpu

Radicada no Rio de Janeiro, Noemí Carpu constrói uma investigação consistente sobre o corpo feminino como território moldado por normas, expectativas e culpas historicamente aprendidas. Sua produção atravessa pintura, escultura e objetos de arte, deslocando o olhar da imagem idealizada do feminino para as forças invisíveis que regulam gestos, posturas e comportamentos. Em seu trabalho, a matéria não ilustra o conceito, ela o sustenta.

A artista apresenta dois tapetes que expandem essa pesquisa para o campo têxtil. Com o Ela em Si (3,50x2,50m) e o Geometria do Improviso (3,00 x 2,00m), as obras trazem figuras femininas entrelaçadas em traços contínuos e orgânicos. Braços que se cruzam, mãos que se repetem, corpos que se comprimem e coexistem no mesmo plano revelam uma narrativa silenciosa.

Nossos tapetes de nylon utilizam o inovador fio EcoNyl®, opção renovável desenvolvida a partir de redes de pesca descartadas e regeneradas. A escolha do material dialoga diretamente com o pensamento da artista: aquilo que um dia reteve e capturou se transforma em superfície de expressão.

Tapete Ela em Si, (3,50 x 2,50m) e Geometria do Imprevisto (3,00m x 2,00m) confeccionados em Nylon EcoNyl®

Collab Boulle by Kamy: Lançamento | Pufftrona

Em parceria com a Boulle, marca liderada por Rodolpho Guttierrez e seu pai, apresentamos a Pufftrona, lançamento que nasce do encontro entre estrutura e superfície, técnica e memória. Fundada em 2000, no sul do Brasil, a Boulle é reconhecida nacionalmente por sua inovação no setor moveleiro, com premiações da CNI e do SEBRAE.

A marca transforma madeira de origem responsável, incluindo árvores caídas naturalmente e madeiras de reflorestamento certificadas, em peças autorais que equilibram precisão tecnológica e acabamento manual.

A Pufftrona materializa essa vocação. A estrutura em madeira maciça é usinada em CNC de cinco eixos e finalizada artesanalmente, formando um arco contínuo que envolve o assento com fluidez escultórica. A base circular giratória reforça a sensação de movimento, enquanto o desenho orgânico do encosto sugere acolhimento sem excessos.

Sketch da Pufftrona e os modelos Magreb 26 e Dhurie Dali

Nos assentos, entram em cena os clássicos da by Kamy, forrados com Magreb 26, Zili Milano, Kilim Roma, Kilim Shapur, Dhurie Dali e Persa, superfícies que já habitaram outros contextos e agora assumem nova função como revestimento do estofado. A textura dos tapetes contrasta com a curva precisa da madeira, resultando em um equilíbrio entre elementos.

A coleção de Pufftronas reúne 12 peças ao todo, 2 pares de cada tapete. Cada uma com identidade própria, mas unidas pela mesma lógica híbrida. Puff e poltrona coexistem sem hierarquia. Estrutura e revestimento se complementam sem competir.

Trio de Pufftronas forradas com Kilim Shapur, Kilim Roma e Zili Milano

1+1 by Kamy

A produção artística do projeto social 1+1+by Kamy também será destaque nesta edição de DW. Sob a tutela da artista visual Elisa Lobo, as bordadeiras desenvolveram a tapeçaria Crisálida (1,15x1,02m).

Na natureza, a crisálida é o casulo fino de seda onde a metamorfose acontece. Tecida pela lagarta, ela abriga o tempo necessário para a transformação em borboleta. De 1 a 3 semanas ela repousa em solitude até que chega a hora de alçar seu voo e abandonar a crisálida: memória do momento em que a renovação se completa.

As peças criadas pelas bordadeiras do projeto social 1+1+by Kamy levam em sua essência esse mesmo sentido de transformação, já que um tufo de linha que seria descartado, é inserido na criação de uma peça nova que tem como base fragmentos de tapete Aloe interligados por bordados, remetendo à linda criação da natureza que nomeia essa tapeçaria, as crisálidas. Em sintonia com o tema Ressignificar, a tapeçaria traduz esse princípio em matéria, onde cada fibra mantém viva a memória do gesto que a construiu.

À esquerda, Tapeçaria Crisálida (1,15x1,02 m) bordada no projeto 1+1+by Kamy. À direita, detalhe da peça com fragmentos de Aloe unidos pelo bordado.

By Kamy na DW! São Paulo Design Week 2026

Exposição “Ressignificar: silêncio – foco – caminho”

by Kamy Maison

Alameda Gabriel Monteiro da Silva, 1147, Jardim América, São Paulo-SP

De 5 a 14 de março de 2026

Segunda à sextas, 10h às 19h

Sábados, 10h às 17h
Evento by Kamy: 6 de março de 2026, 16h às 20h

Vitrine DW! 2026 – D&D Shopping

by Kamy D&D (loja 208/209, piso térreo)

Avenida das Nações Unidas, 12555, Cidade Monções, São Paulo-SP

5 a 14 de março de 2026

Segundas às sextas, 10h às 21h

Sábados, 10h às 20h

Domingos, 14h às 19h

Clique aqui para conferir a tour 360º da exposição.

Leia abaixo a integra traduziada da matéria de Valentina Muzi publicada no Artribune:

No início do reinado de Luís XIV, quando o Louvre estava destinado a se tornar a residência oficial do soberano antes que Versalhes assumisse um papel central, foi concebido um dos maiores projetos decorativos do século XVII francês. Uma parte significativa desses tapetes monumentais realizados para a Grande Galerie do Louvre está reunida no Grand Palais, em Paris, na exposição Os Tesouros Escondidos do Rei Sol, mas apenas até 8 de fevereiro de 2026.

© Didier Plowy pour le GrandPalaisRmn, 2026

Os tapetes encomendados por Luís XIV em exposição no Grand Palais de Paris

Entre 1668 e 1688 foram tecidos 92 tapetes monumentais destinados a revestir o piso da Grande Galerie, o corredor de cerca de 442 metros que ligava o Louvre ao Palácio das Tulherias. Cada tapete, com aproximadamente nove metros de largura, era uma peça decorativa de um conjunto que cobria quase 4 mil metros quadrados de superfície.

Uma empreitada titânica que a encomenda real confiou à Manufatura da Savonnerie, a mais prestigiada fábrica europeia de tapetes de pelo atado. Os desenhos foram concebidos por Charles Le Brun, primeiro pintor do Rei, enquanto os cartões (executados em escala natural) foram realizados pelos artistas da Manufatura dos Gobelins sob sua direção.

© Didier Plowy pour le GrandPalaisRmn, 2026

Manufatura da Savonnerie: a história

Fundada em 1615 em uma antiga fábrica de sabão no Quai de Chaillot, em Paris, a Manufatura da Savonnerie alcançou seu auge entre 1650 e 1685, desfrutando do monopólio real. Os tapetes — confeccionados principalmente em lã, com inserções de seda e caracterizados por uma alta densidade de nós — apresentam uma linguagem ornamental que, embora inicialmente influenciada por modelos orientais e otomanos, afirmou-se progressivamente como expressão de um estilo francês autônomo, tornando-se porta-voz do poder da Coroa por meio de medalhões, brasões e densos motivos florais.

Os tapetes da Grande Galerie do Louvre: entre dispersão, recuperação e valorização

Após a morte de Colbert e com o progressivo deslocamento da atenção de Luís XIV para Versalhes, os tapetes da Grande Galerie jamais foram instalados no Louvre. Nos séculos seguintes, revoluções, vendas e destruições determinaram sua dispersão. A partir do Primeiro Império e da Restauração, porém, uma parte significativa dos tapetes foi gradualmente readquirida.

Hoje, 41 dos 92 exemplares originais são preservados nas coleções das Manufaturas Nacionais — Sèvres & Mobilier national —, dos quais 33 completos, aos quais se somam quatro dos treze tapetes realizados para a Galerie d’Apollon. Em 2024, a recuperação de um fragmento relevante do quinquagésimo tapete enriqueceu ainda mais o conhecimento desse conjunto.

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